SESIÓN VII (25/26): "El desierto de los tártaros" Dino Buzzati

 

Ficha Técnica

Nº de páginas:  272

Tiempo de lectura: 06h: 27m

Editorial: Gadir

Idioma: Castellano

Encuadernación: Tapa blanda

ISBN:  9788420669861

Año de la edición: 2012

BIOGRAFÍA

Dino Buzzati (1906–1972) fue un escritor, periodista, dramaturgo y pintor italiano, considerado una de las voces más singulares de la literatura europea del siglo XX. Nació en San Pellegrino di Belluno, en el Véneto, en el seno de una familia acomodada. Estudió Derecho en la Universidad de Milán, pero muy pronto orientó su vida hacia el periodismo y la literatura. Durante más de cuatro décadas trabajó en el Corriere della Sera, uno de los periódicos más importantes de Italia, donde ejerció como cronista, reportero de guerra y crítico. Esta experiencia periodística marcó profundamente su estilo: una prosa clara, precisa y aparentemente sobria, que contrasta con la dimensión fantástica y metafísica de muchos de sus relatos.

Su primera novela, Bàrnabo delle montagne (1933), ya mostraba su fascinación por los paisajes montañosos y los personajes solitarios. Sin embargo, fue con El desierto de los tártaros (Il deserto dei Tartari, 1940) cuando alcanzó reconocimiento internacional. Esta obra lo consagró como un autor capaz de fundir realismo, alegoría y existencialismo en una narrativa inquietante y profundamente simbólica.

Buzzati cultivó con especial maestría el relato breve, en libros como Los siete mensajeros (1942) y Sessanta racconti (1958), donde lo fantástico irrumpe en lo cotidiano con naturalidad perturbadora. Su obra ha sido frecuentemente comparada con la de Kafka por su atmósfera opresiva y su tratamiento del absurdo, aunque Buzzati conserva una identidad propia, más narrativa y menos abstracta, marcada por la melancolía y el sentido del misterio. Además de novelista y cuentista, fue autor teatral y pintor; de hecho, el componente visual y escenográfico es perceptible en muchas de sus descripciones literarias. En 1969 publicó Poema a fumetti, una novela gráfica pionera que reinterpreta el mito de Orfeo en clave moderna. Murió en Milán en 1972. Su obra, atravesada por la reflexión sobre el tiempo, la espera, el destino y la fragilidad humana, sigue siendo leída como una meditación lúcida y poética sobre la condición contemporánea.

RESEÑA

El desierto de los tártaros, de Dino Buzzati es una meditación sobre la espera, el tiempo y la ilusión del destino.

1. Sinopsis

Publicado en 1940, Il deserto dei Tartari es la novela más célebre de Dino Buzzati y una de las alegorías más penetrantes del siglo XX sobre la condición humana. La historia sigue a Giovanni Drogo, un joven oficial que llega destinado a la remota Fortaleza Bastiani, una construcción militar situada en el límite de un vasto y misterioso desierto. Según la tradición, desde ese horizonte podrían llegar algún día los temidos tártaros, enemigos legendarios cuya invasión justificaría la existencia de la fortaleza.

Drogo, inicialmente decepcionado por el aislamiento y la monotonía del lugar, planea marcharse en cuanto tenga oportunidad. Sin embargo, la rutina, la expectativa de gloria y una vaga esperanza de que “algo” suceda lo retienen. Los años pasan. El enemigo nunca llega —o parece no llegar— y la vida de Drogo se consume en una espera silenciosa que termina siendo el verdadero argumento de la novela.

2. Significado y arquitectura simbólica

La novela es una parábola sobre el tiempo y la ilusión del acontecimiento. La fortaleza no es del todo el mundo civilizado, pero tampoco es un territorio de guerra, en realidad es un umbral. Allí los hombres viven suspendidos, proyectando hacia el futuro la promesa de un sentido que nunca termina de materializarse. El desierto es el vacío, lo desconocido, el destino y la muerte.

Drogo encarna al hombre moderno atrapado en la expectativa de una ocasión extraordinaria que dé sentido a su vida. Pero la espera misma se convierte en la forma de su existencia.

3. ¿Qué persigue el autor?

Buzzati persigue algo más metafísico que narrativo. No busca contar una historia de aventuras, sino desactivar la lógica heroica. El heroísmo en la novela es una quimera, un espejismo que mantiene en pie la maquinaria institucional y existencial. La escritura es sobria, limpia, casi ascética. El estilo evita la grandilocuencia y refuerza la sensación de inmovilidad. La repetición de rutinas, ascensos burocráticos y pequeñas señales en el horizonte construyen un ritmo hipnótico. El lector experimenta la misma dilatación temporal que el protagonista.

4. ¿Por qué no se van cuando pueden?

Esta es la cuestión central. Drogo tiene oportunidades para marcharse. Al principio, incluso lo desea. Pero se queda. ¿Por qué? La ilusión del acontecimiento inminente: siempre parece que el enemigo podría aparecer mañana. Irse justo antes sería imperdonable. El miedo a la vida ordinaria: fuera no hay promesa de gloria, solo normalidad.

5. ¿Qué representan los tártaros?

Los tártaros nunca adquieren un rostro definido. Son más símbolo que enemigo. Representan: El destino esperado. La muerte que siempre parece lejana. El acontecimiento que dará sentido retrospectivo a la vida. El enemigo necesario para justificar la existencia de las estructuras de poder.  Cuando finalmente parecen aproximarse, la vida se ha consumido en su anticipación.

6. Publicación y contexto

La novela fue publicada en 1940 en Italia, bajo el régimen fascista. Buzzati, periodista del Corriere della Sera, vivía en un clima donde la retórica militar y la espera del conflicto eran cotidianas. Sin embargo, la obra evita el panfleto y se instala en la alegoría universal.

7. La película (1976)

En 1976, Valerio Zurlini dirigió la adaptación cinematográfica, protagonizada por Jacques Perrin, con un reparto internacional que incluía a Vittorio Gassman, Fernando Rey y Max von Sydow. La película es visualmente deslumbrante: rodaje en escenarios naturales monumentales (la ciudadela de Bam, en Irán), arquitectura opresiva, composiciones simétricas que subrayan la rigidez y el aislamiento. El desierto adquiere una presencia casi metafísica. La espera se convierte en imagen.

Enlace a la película:

https://share.google/IOfe50zd91oxkoQg0

SESIÓN VI (25/26): "Violeta" Isabel Allende

 

Ficha Técnica

• Título: Violeta
• Autor: Isabel Allende
• Fecha de lanzamiento: 25 de enero de 2022
• Editorial: Plaza & Janés (Edición original)
• Páginas: 400 (aprox.)
• Idioma: Castellano
• Encuadernación: Tapa dura / Bolsillo
• ISBN: 9788401027475 (Plaza & Janés)

BIOGRAFÍA

Isabel Allende (Lima, 1942) es una célebre escritora chilena, una de las autoras más leídas del mundo con más de 74 millones de libros vendidos, famosa por su estilo que fusiona el realismo mágico, la memoria y el feminismo. Saltó a la fama con su novela La casa de los espíritus (1982), escrita durante su exilio en Venezuela.
Primeros años y Periodismo: Nació en Perú, hija de un diplomático chileno y prima del expresidente Salvador Allende. Creció en Chile, donde trabajó como periodista y redactora en la revista Paula.
Exilio y Éxito Literario: Tras el golpe de Estado de 1973 en Chile, se exilió en Venezuela, donde comenzó su carrera novelística con gran éxito internacional, consolidándose con obras como De amor y de sombra (1984).
Estilo y Temas: Su literatura aborda la historia latinoamericana, la memoria y el papel de la mujer. Su obra incluye novelas históricas, memorias (como Paula, dedicada a su hija fallecida) y literatura juvenil.
Reconocimientos: Reside en California desde finales de los 80. Ha recibido numerosos premios, incluyendo el Premio Nacional de Literatura de Chile (2010).

RESEÑA

La épica y emocionante historia de una mujer cuya vida abarca los momentos históricos más relevantes del siglo XX.

Desde 1920 -con la llamada «gripe española»- hasta la pandemia de 2020, la vida de Violeta será mucho más que la historia de un siglo.

Violeta viene al mundo un tormentoso día de 1920, siendo la primera niña de una familia de cinco bulliciosos hermanos. Desde el principio su vida estará marcada por acontecimientos extraordinarios, pues todavía se sienten las ondas expansivas de la Gran Guerra cuando la gripe española llega a las orillas de su país sudamericano natal, casi en el momento exacto de su nacimiento.

Gracias a la clarividencia del padre, la familia saldrá indemne de esta crisis para darse de bruces con una nueva, cuando la Gran Depresión altera la elegante vida urbana que Violeta ha conocido hasta ahora. Su familia lo perderá todo y se verá obligada a retirarse a una región salvaje y remota del país. Allí Violeta alcanzará la mayoría de edad y tendrá su primer pretendiente...

En una carta dirigida a una persona a la que ama por encima de todas las demás, Violeta rememora devastadores desengaños amorosos y romances apasionados, momentos de pobreza y también de prosperidad, pérdidas terribles e inmensas alegrías. Moldearán su vida algunos de los grandes sucesos de la historia: la lucha por los derechos de la mujer, el auge y caída de tiranos y, en última instancia, no una, sino dos pandemias.

Vista con los ojos de una mujer poseedora de una pasión, una determinación y un sentido del humor inolvidables que la sostienen a lo largo de una vida turbulenta.

SESIÓN V (25/26): "La ridícula idea de no volver a verte" Rosa Montero

Ficha Técnica

Nº de páginas:  240

Tiempo de lectura: 05h: 40m

Editorial: Alfaguara

Idioma: Castellano

Encuadernación: Tapa blanda

ISBN: 9788432239939

Año de la edición: 2022

 

BIOGRAFÍA

Rosa Montero nació en Madrid y estudió Periodismo y Psicología. Ha publicado las novelas Crónica del desamor (1979), La función Delta (1981), Te trataré como a una reina (1983), Amado Amo (1988), Temblor (1990), Bella y Oscura (1993), La hija del caníbal (1997, Premio Primavera de Novela), El corazón del Tártaro (2001), La loca de la casa (2003 y 2023, premios Qué Leer, Grinzane Cavour y Roman Primeur), Historia del Rey Transparente (2005, premios Qué Leer y Mandarache), Instrucciones para salvar el mundo (2008), Lágrimas en la lluvia (2011), La ridícula idea de no volver a verte (2013, Premio de la Crítica de Madrid), El peso del corazón (2015), La carne (2016), Los tiempos del odio (2018), La buena suerte (2020) y El peligro de estar cuerda (2022)y La desconocida (2023) —junto a Olivier Truc—. 

También es autora del libro de relatos Amantes y enemigos (1998) y de los ensayos biográficos: Historias de mujeres —reeditado en edición ilustrada, revisada y ampliada con el título de Nosotras. Historias de mujeres y algo más (2018)— y Pasiones (2000), así como de cuentos para niños, recopilaciones periodísticas y Escribe con Rosa Montero (2017). 

Desde 1976 escribe en El País, en el que fue redactora jefa del suplemento dominical (1980-1981). Además de los mencionados, ha sido galardonada con el Premio Nacional de Periodismo (1981), el Premio Nacional de las Letras Españolas (2017), los premios Leyenda de la Asociación de Librerías de Madrid y Ciudad de Alcalá de las Artes y las Letras (2019), el Premio Cedro (2020) y la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes (2022). Su obra está traducida a más de veinte idiomas. Cuentos verdaderos (2024) es su libro más reciente. 

 RESEÑA

La ridícula idea de no volver a verte es una obra fronteriza, híbrida por vocación y honesta por necesidad. Rosa Montero construye un libro que se sitúa deliberadamente en la intersección entre la biografía intelectual, el ensayo filosófico, la memoria personal y la reflexión literaria. El punto de partida es la figura de Marie Curie, pero el verdadero núcleo gravitacional del texto es la experiencia del duelo, la fragilidad humana y la obstinada necesidad de seguir viviendo cuando el sentido parece haberse evaporado.

La autora toma como detonante la lectura del Diario íntimo que Marie Curie escribió tras la muerte de Pierre. Ese texto desgarrado —breve, repetitivo, casi balbuceante— actúa como espejo y catalizador de una herida propia: la muerte del compañero de vida de la narradora. A partir de ahí, Montero no escribe una biografía al uso ni un tratado sobre el dolor, sino una constelación de fragmentos que dialogan entre sí: ciencia y literatura, razón y emoción, historia y experiencia íntima.

La obra es consecuencia de un encargo editorial que pronto supuso para la autora la descripción del duelo que es el duelo es ante todo una experiencia de desfondamiento del significado. La muerte del otro no supone únicamente su ausencia física, sino la desaparición de una parte del mundo tal como era vivido. Rosa Montero describe el duelo de Marie Curie tras la muerte de su marido Alfred Curie y ella del suyo, Pablo Lizcano.

Desde el punto de vista estructural, el libro rehúye la linealidad. Avanza por asociaciones, digresiones y retornos, como si imitara el funcionamiento real de la mente en duelo: una conciencia que oscila entre la lucidez y la obsesión, entre la memoria y la necesidad de distracción. Esta forma fragmentaria no es un capricho estilístico, sino una decisión ética y estética coherente con el tema central: el dolor no se narra, se rodea.

Uno de los grandes aciertos del libro es la manera en que Montero convierte a Marie Curie en algo más que un personaje histórico admirable. Curie aparece como símbolo de una resistencia silenciosa: la del ser humano que, pese a la devastación íntima, sigue trabajando, pensando, creando. La ciencia, en este contexto, no es un refugio frío, sino una tabla de salvación; una forma de seguir habitando el mundo cuando la vida privada se ha quebrado. En paralelo, la literatura cumple una función semejante: leer y escribir como actos de supervivencia.

El tono del libro es deliberadamente cercano, incluso confesional, pero nunca cae en el sentimentalismo. Montero escribe desde la herida, pero con una lucidez que evita la autocomplacencia. El yo que habla no busca compasión, sino comprensión; no pretende ofrecer consuelo, sino compartir una experiencia común: la certeza de que amar implica, tarde o temprano, enfrentarse a la pérdida. En este sentido, el libro adquiere una dimensión universal que trasciende lo autobiográfico.

En el plano estilístico, la prosa de Montero se caracteriza por su claridad y su eficacia expresiva. No hay barroquismo ni retórica innecesaria; la emoción surge de la precisión, no del exceso. Desde una perspectiva crítica, podría señalarse que el carácter fragmentario y ensayístico del texto puede desconcertar a lectores que busquen una narración convencional o una biografía rigurosa de Marie Curie. Sin embargo, esa ambigüedad genérica es precisamente uno de los valores del libro. La  ridícula idea de no volver a verte no aspira a cerrar respuestas, sino a formular preguntas esenciales: ¿cómo se sobrevive a la ausencia?, ¿qué sentido tiene el trabajo, el pensamiento o la creación frente a la muerte?, ¿es posible seguir siendo uno mismo después del amor perdido?

En conclusión, la lectura de esta obra ha producido entre las lectoras de este club de lectura una unanimidad inusual en todos los aspectos, destacando la sensación de intimidad que produce y, sin duda, también puede decirse que esta novela se inscribe entre los libros más íntimos y reflexivos de Rosa Montero. Es un texto valiente, sobrio y profundamente humano, que convierte el dolor en materia de pensamiento sin traicionarlo ni edulcorarlo. Más que un libro sobre la muerte, es un libro sobre la persistencia de la vida; más que un homenaje a Marie Curie, es una meditación sobre la dignidad de seguir adelante cuando estar sin el otro se vuelve, efectivamente, insoportable.

VIDEO CORTO:

LA RIDÍCULA IDEA DE NO VOLVER A VERTE

SESIÓN IV (25/26): "Pantaleón y las visitadoras" Mario Vargas Llosa

 

Ficha Técnica

Nº de páginas:  328

Tiempo de lectura: 07h: 48m

Editorial: Alfaguara

Idioma: Castellano

Encuadernación: Tapa blanda

ISBN: 9788420442556

Año de la edición: 03/11/2004

BIOGRAFÍA

Mario Vargas Llosa (Arequipa, 1936 - Lima, 2025). Premio Nobel de Literatura, su carrera literaria se inició con el estreno de un drama en Piura y el libro de relatos Los jefes, pero alcanzó notoriedad con sus novelas La ciudad y los perros (1962; Premio Biblioteca Breve y Premio de la Crítica) y La casa verde (1966; Premio de la Crítica y Rómulo Gallegos). 

Escribió piezas teatrales —La señorita de Tacna, Kathie y el hipopótamo, La Chunga, El loco de los balcones, Ojos bonitos, cuadros feos, Las mil noches y una noche y Los cuentos de la peste—, estudios y ensayos —García Márquez: Historia de un deicidio, Carta de batalla por Tirant lo Blanc, La orgía perpetua, La utopía arcaica, La verdad de las mentiras, La tentación de lo imposible, El viaje a la ficción, La civilización del espectáculo, La llamada de la tribu y La mirada quieta (de Pérez Galdós)—, memorias —El pez en el agua—, relatos —Los cachorros—, obra periodística —El fuego de la imaginación, El país de las mil caras y El reverso de la utopía—, Conversación en Princeton, con Rubén Gallo, Medio siglo con Borges, Dos soledades, Un bárbaro en París: Textos sobre la cultura francesa, y, sobre todo, novelas: Conversación en La Catedral, Pantaleón y las visitadoras, La tía Julia y el escribidor, La guerra del fin del mundo, Historia de Mayta, ¿Quién mató a Palomino Molero?, El hablador, Elogio de la madrastra, Lituma en los Andes, Los cuadernos de don Rigoberto, La Fiesta del Chivo, El Paraíso en la otra esquina, Travesuras de la niña mala, El sueño del celta, El héroe discreto, Cinco Esquinas, Tiempos recios y Le dedico mi silencio. 

Además de los mencionados, recibió los premios Cervantes, Príncipe de Asturias, PEN/Nabokov y Grinzane Cavour. Fue miembro de la Real Academia Española y de la Académie Française.

 RESEÑA

Si usted, querido o querida lector/a, siente que su vida discurre últimamente con la misma intensidad emocional que una mañana de niebla en Pontedeume, y que su pulso alcanza picos de adrenalina solo cuando consigue aparcar en batería a la

primera, permítame ofrecerle un consejo infalible: organice un Club de Lectura compuesto por veintidós mujeres gallegas de las Rías Altas y dos hombres (como Javier y un servidor). Créame si le digo que ni las montañas rusas, ni los maratones de series, ni siquiera las facturas de la luz le harán segregar tanta adrenalina como la que corre por las venas cuando semejante batallón lector se entrega a la discusión de Pantaleón y las visitadoras.

La novela de Vargas Llosa, tan llena de humor como de pólvora ideológica, no tardó ni cinco minutos en convertir nuestra tranquila reunión literaria en un coliseo romano con aroma a empanada de zamburiñas. El debate fue apasionante, abundante, y —como dirían los clásicos— subido de tono, aunque sorprendentemente sin grandes controversias. O eso pensamos los hombres. Las mujeres, por su parte, detectaron en la historia un aroma a naftalina patriarcal que podía rastrearse incluso desde 1973, año de su publicación, hasta los hechos reales de 1956 en el Perú militar.

Yo, que tuve el honor (o la imprudencia) de abrir el debate, comenté que esta obra difícilmente superaría el tamiz del feminismo de nuestros días. No había terminado de pronunciar la palabra “tamiz” cuando Oliva ya había asentido con la firmeza de quien está convencida de que aquellas visitadoras, pobres almas, apenas tenían capacidad de decisión y no eran más que piezas intercambiables en un engranaje militar masculino.

Pilar, que tiene una puntería dialéctica digna de artillería pesada, dio un paso adelante y no dejó escapar la oportunidad para señalar —con precisión quirúrgica— al Ejército como cómplice necesario de la cosificación femenina. A esas alturas, Pantaleón Pantoja ya estaba siendo sometido a un juicio sumarísimo cuyo veredicto no parecía especialmente favorable para él.

Javier, siempre dispuesto a aportar datos de campo (nunca mejor dicho), trajo a colación la información sobre “algunas mujeres” —dejando claro que no todas, que nadie le busque problemas— que ejercían la prostitución por voluntad propia para comprarse ropa, mejorar su vida o simplemente porque les daba la gana. Añadió que conocía el caso de un burdel del sur de España gracias a un sargento que hablaba del asunto con la naturalidad de quien comenta el parte meteorológico. Y remató la jugada recordando las visitas asiduas de un tal Arturo Pérez-Reverte, quien, siempre según la leyenda, acudía allí estrictamente en calidad de observador. “Investigación antropológica”, lo llamó él. “Ya…”, respondieron algunas de las mujeres del club levantando una ceja sincronizada como una coreografía de ballet soviético.

El alboroto seguía creciendo como mar de fondo cuando nuestra querida Chicha, en su inocencia de alma pura y luminosa, lanzó sin mala intención una pregunta al aire. Algo así como:¿Y qué pasa con el autor? Entonces propuse: “¿Y qué autor dejasteis de leer por algún motivo personal?”. Ese fue el equivalente literario a tirar una sardina encendida en el interior de una meiga. Las mujeres se lanzaron a la arena con ímpetu épico, y el resultado final fue demoledor: por goleada unánime, tres nombres quedaron desterrados de la república literaria del club: Arturo Pérez-Reverte (por motivos ya intuibles), Camilo José Cela (cuya sombra resulta demasiado alargada incluso para las Rías Altas) y Sánchez Dragó (sobre el cual no abundaremos por caridad navideña).

Y así, entre risas, debates, ironías, feminismos, machismos, militares, visitadoras, escritores exiliados del cariño lector y una energía que ni los seminarios de autoayuda son capaces de convocar, terminamos nuestra sesión del Club de Lectura. Una sesión apoteósica, vibrante, con espíritu constructivo y un inconfundible aire navideño, como si Papa Noel hubiera decidido pasar revista en un cuartel de Pantaleón.

Pantaleón y las visitadoras tendrá sus virtudes y sus defectos, pero si algo quedó claro es que pocas novelas han generado tanta pasión, risa y reflexión como esta en nuestro pequeño pero intensísimo rincón literario de las Rías Altas. Y, francamente… ¡que siga la fiesta! 

SESIÓN III (25/26): "Austerlitz" W.G. Sebald

 

Ficha Técnica

Nº de páginas:  315

Tiempo de lectura: 07h: 32m

Editorial: Adelphi

Idioma: Castellano

Encuadernación: Tapa blanda

ISBN: 9788845917073

Lugar: Milano

Año de la edición: Diciembre 2002

BIOGRAFÍA

Winfried Georg Sebald, conocido literariamente como W. G. Sebald, nació el 18 de mayo de 1944 en Wertach im Allgäu, un pequeño pueblo bávaro del sur de Alemania. Su vida y su obra estuvieron profundamente marcadas por el trauma histórico del siglo XX, en particular por las secuelas morales y culturales del nazismo, la guerra y el exilio. Su estilo inconfundible, que mezcla memoria, historia, ensayo, ficción y fotografía, lo ha convertido en una de las voces más originales y trascendentes de la literatura europea contemporánea.

Su primer libro de narrativa fue Vértigo (Schwindel. Gefühle., 1990), una colección de relatos híbridos entre autobiografía y ficción. Le siguió Los emigrados (Die

Ausgewanderten, 1992), que le dio reconocimiento internacional: cuatro historias de exilio y pérdida, narradas con un tono elegíaco. En 1995 publicó Los anillos de Saturno (Die Ringe des Saturn), una obra de difícil clasificación mezcla de diario de viaje, ensayo y meditación histórica, ambientada en los paisajes del este de Inglaterra. Su última y más reconocida novela, Austerlitz (2001), consolidó su fama mundial y obtuvo numerosos premios. En ella explora, a través del personaje del historiador Jacques Austerlitz, los estragos del desarraigo y la memoria traumática del Holocausto. Además de sus obras narrativas, Sebald escribió ensayos sobre literatura alemana y europea, entre ellos Sobre la historia natural de la destrucción (Luftkrieg und Literatur, 1999), donde analiza el silencio de los escritores alemanes ante la devastación de las ciudades por los bombardeos aliados.

RESEÑA

Austerlitz  (2001) es la última novela del escritor alemán W. G. Sebald, una reflexión sobre la memoria, la identidad y la pérdida. Escrita en una prosa melancólica, una mezcla entre ensayo,  autobiografía y ficción. La novela entrelaza la historia y la narración personal para reconstruir el pasado  de su protagonista: Jacques Austerlitz.

La novela comienza en distintos momentos y lugares de Europa (Amberes, Londres, Gales, Praga). Austerlitz es un hombre excéntrico y reservado. El lector va descubriendo la vida de Austerlitz, marcada por un misterio: su desconocido origen. Durante  parte de su existencia, Austerlitz ha creído ser hijo adoptivo de una familia galesa, los Elias, con quienes creció en un ambiente rígido y distante. Su educación estuvo desprovista de afecto y de raíces. Solo en la madurez comienza a sospechar que su biografía es falsa. Es entonces cuando inicia una búsqueda que lo llevará a descubrir su verdadero pasado.

Austerlitz descubre que nació en Praga, que es hijo de Maximilian y Agáta Austerlitz, una pareja judía que lo envió a Inglaterra en 1939 a bordo de un  tren que evacuó a niños judíos antes de la ocupación nazi. Los Elias siempre ocultaron su origen. Solo cuando llega a la madurez, Austerlitz se convierte en un tipo obsesionado con las ruinas, las estaciones, con las fortalezas y los edificios monumentales.

El relato alterna entre las conversaciones con el narrador y las excursiones de Austerlitz a los lugares de su pasado. En Praga, reconstruye fragmentos de su infancia con ayuda de una antigua institutriz. En París, busca rastros de su madre, quu fue enviada a un campo de concentración. 

Uno de los temas centrales de Austerlitz es precisamente la imposibilidad de una memoria total. Sebald muestra cómo el trauma individual se entrelaza con el trauma colectivo del siglo XX —la Shoah, la guerra, el exilio—. La historia de Austerlitz es la de una Europa que busca comprender su propio pasado. El narrador, casi invisible, actúa como testigo y depositario de esa memoria ajena, haciendo eco del deber moral de recordar.

Sebald emplea fotografías intercaladas —imágenes de estaciones, retratos difusos, edificios abandonados— que acompañan el texto sin explicaciones, intensificando el carácter documental y espectral de la narración. El estilo es hipnótico: oraciones largas, casi sin puntos, en las que se funden descripción, reflexión y emoción contenida. No hay capítulos ni pausas claras, como si la voz narrativa fluyera con la misma lógica del recuerdo.

Austerlitz es una meditación sobre la fragilidad del recuerdo y la persistencia del dolor. Austerlitz, simboliza el intento de la Europa contemporánea por reconciliarse con su pasado.

SESIÓN II (25/26): "Un día volveré" Juan Marsé.

Ficha Técnica

Nº de páginas:  400

Tiempo de lectura: 09h: 32m

Editorial: DeBolsillo

Idioma: Castellano

Encuadernación: Tapa blanda

ISBN: 9788497930314

Lugar: Barcelona

Año de la edición: Diciembre 2003

BIOGRAFÍA

Juan Marsé, nacido como Juan Faneca Roca en Barcelona el 8 de enero de 1933, fue uno de los grandes novelistas españoles del siglo XX. Hijo de una familia humilde, quedó huérfano de madre poco después de nacer y fue adoptado por sus tíos, de quienes tomó el apellido Marsé. Creció en el barrio barcelonés de Guinardó, cuyas calles y paisajes marcaron profundamente su obra literaria. Desde muy joven trabajó como aprendiz de joyero, mientras desarrollaba su pasión por la escritura. En 1958 publicó su primer relato en la revista Ínsula, y en 1960 ganó el premio Sésamo con un relato corto. Su primera novela, Encerrados con un solo juguete (1961), reveló su talento narrativo. Sin embargo, fue con Últimas tardes con Teresa (1966), ganadora del Premio Biblioteca Breve, que alcanzó el reconocimiento definitivo. Esta obra retrata con maestría las tensiones de clase y las contradicciones de la sociedad española de la época.

Marsé perteneció a la llamada Generación del 50, que buscaba retratar las realidades de la posguerra con un lenguaje directo y personajes complejos. Sus novelas, como La oscura historia de la prima Montse (1970) o Si te dicen que caí (1973), abordaron temas como la memoria, la desigualdad y las heridas de la Guerra Civil Española.

En 2008 recibió el Premio Cervantes, el máximo galardón de las letras españolas, como reconocimiento a su carrera y su contribución a la literatura. Crítico mordaz, nunca dudó en expresar opiniones contundentes sobre la sociedad y la política.

Falleció el 18 de julio de 2020 en Barcelona, dejando un legado literario que continúa siendo referencia para quienes buscan comprender la España del siglo XX a través de una narrativa profundamente humana y emotiva.

RESEÑA

Un día volveré es una de las obras más maduras y significativas de Juan Marsé. La leemos ahora en em una colección de la editorial DeBolsillo del año 2003 pero su primera edición fue en 1982. Ambientada en la Barcelona gris y herida de la posguerra, la novela vuelve a los escenarios y personajes marginales que definen el universo marséano: el barrio del Guinardó, las tabernas, los descampados, las ilusiones rotas y la persistencia de la dignidad entre los vencidos. En este paisaje de miseria moral y económica, Marsé construye una historia que combina memoria, mito y desencanto.

La trama gira en torno al regreso de Jan Julivert Mon, un antiguo combatiente republicano y atracador legendario que vuelve al barrio tras cumplir condena en prisión. Su figura —más evocada que presente— actúa como símbolo de la resistencia perdida y del fracaso de los ideales revolucionarios. El verdadero protagonismo recae en los jóvenes del barrio, testigos de una época en la que los héroes se desvanecen y solo quedan los ecos de un tiempo más valiente. A través de ellos, Marsé reflexiona sobre la transmisión de la memoria y sobre la imposibilidad de redención en una sociedad que ha aprendido a sobrevivir en silencio.

El estilo de Marsé en Un día volveré es fiel a su tradición: una prosa limpia, cargada de imágenes precisas y diálogos llenos de ironía y ternura. Diríase que a veces es como si asistiéramos a la proyección de una película perfectamente ambientada. Su narración alterna entre la nostalgia y la lucidez, entre la mirada poética y el testimonio social. La ciudad se convierte casi en un personaje más, una Barcelona de posguerra que respira tristeza y supervivencia, donde el amor, la lealtad y la traición se confunden con la necesidad de seguir viviendo.

Desde el punto de vista social, la novela ofrece un retrato demoledor de la España franquista y de las secuelas de la guerra civil en la clase trabajadora. Marsé denuncia la pérdida de ideales, la manipulación del miedo y la marginación de quienes fueron derrotados. Sin recurrir al panfleto, su crítica es profunda: muestra cómo la represión política se infiltra en las relaciones humanas y cómo la pobreza material se acompaña de una pobreza moral impuesta por el régimen.

Un día volveré es, en última instancia, una elegía por una generación truncada, una meditación sobre la memoria y la derrota. Con ella, Marsé reafirma su lugar como cronista de los desheredados, como testigo lúcido de una España que, aun intentando olvidar, no puede escapar de sus fantasmas. Su lectura sigue siendo actual porque habla de la dignidad frente al olvido y del deseo, siempre latente, de que algún día —aunque sea simbólicamente— los que fueron vencidos puedan volver.